La historia comenzó de una manera íntima, porque Kerstens no llegó a la fotografía desde una formación tradicional en bellas artes. Fue el año 1995 cuando el fotógrafo holandés empezó a retratar a su hija Paula. Kerstens había decidido quedarse en casa para cuidarla mientras su mujer trabajaba, y la fotografía apareció como una manera de registrar su crecimiento. Paula se convirtió entonces en su modelo, pero también en el hilo conductor de una obra que se extendería durante décadas, hasta hoy. Lo que comenzó como el registro cotidiano de una hija fue adquiriendo paulatinamente otro significado. El artista encontró en Paula el territorio donde desarrollar su lenguaje. En sus primeras imágenes había algo reconocible para cualquier padre, esa necesidad de preservar el paso del tiempo, pero a medida que acumulaba retratos comenzó a aparecer también una conexión con otra memoria, una mucho más antigua y colectiva. Con el tiempo, algo en esos retratos comenzó a transportar a Paula hacia otro siglo. Kerstens trabajaba con fondos oscuros, pocos elementos y una luz lateral que concentraba toda la atención en su rostro. Había quietud y una expresión contenida que inevitablemente remitían a la pintura holandesa del siglo XVII. Las referencias estaban en la memoria visual con la que el fotógrafo había crecido en los Países Bajos. Vermeer, Rembrandt y los grandes maestros del Siglo de Oro, para quienes la luz, los rostros y las escenas aparentemente sencillas habían sido suficientes para construir imágenes destinadas a permanecer.

Lo interesante es que Kerstens no replica estos clásicos, sino que entendió que para dialogar con esa tradición no necesita reproducirla literalmente. Él no recreó habitaciones del siglo XVII ni buscó vestuario histórico. Hizo algo bastante más interesante: conservó los códigos y reemplazó los objetos. Ahí es cuando su trabajo adquiere una identidad propia. El procedimiento es sencillo, incluso precario, pero el resultado consigue ser extrañamente sofisticado. Kerstens toma algo cuyo valor material es prácticamente inexistente y, a través de la composición y la luz, le concede la dignidad visual de una pieza histórica. La referencia más evidente es “La joven de la perla”, de Johannes Vermeer. Pintada alrededor de 1665, la obra se convirtió con el tiempo en una de las imágenes más reconocibles de la historia del arte occidental. No se sabe quién era la joven ni conocemos demasiado de la historia que rodea la escena. Y quizás parte de su permanencia radique precisamente ahí, un misterio que lleva más de 300 años interpelando al espectador.

“Bag” es otro de sus retratos más reconocidos. Ahí, Paula lleva una bolsa plástica blanca sobre la cabeza. El material se pliega alrededor de su rostro como si se tratara de una delicada cofia. La primera asociación es histórica, sólo después descubrimos qué estamos mirando realmente. La idea surgió después de pasar una temporada en Nueva York, donde al artista le llamó la atención la enorme cantidad de bolsas plásticas que acompañaba cualquier compra. Kerstens tomó uno de los objetos más desechables de la vida contemporánea y lo llevó al extremo opuesto. Sobre la cabeza de Paula, el plástico blanco pierde por un instante su condición ordinaria y parece transformarse en una delicada cofia de otro siglo. Esa distancia entre lo que creemos ver y aquello que efectivamente está frente a nosotros es uno de los gestos más interesantes de la obra del fotógrafo.  Kerstens, además, trabaja con nuestra memoria visual. No necesita copiar un Vermeer para hacernos pensar en Vermeer. Sus fotografías no reproducen necesariamente pinturas antiguas, reproducen algo más difícil de conseguir: el recuerdo que tenemos de ellas. Es un juego visual que nos obliga a preguntarnos qué es lo que hace que una imagen se vuelva clásica. Ahí Kerstens nos demuestra que no son los objetos, pues podemos quitar el encaje, las perlas, los vestidos históricos e incluso la pintura al óleo, y la referencia permanece. Lo que sobrevive es una determinada manera de construir la imagen con la composición, la luz, la proporción, el silencio y, sobre todo, la mirada.

Cuatro siglos después de Vermeer, una cámara fotográfica y recursos simples pueden llevarnos al mismo lugar. No porque Kerstens intente reconstruir el pasado, sino porque encuentra una manera de hacerlo presente. Toma sus códigos, los altera y los enfrenta a objetos que pertenecen inequívocamente a nuestro tiempo. En ese encuentro, lo cotidiano deja de serlo y lo clásico demuestra que no necesita permanecer intacto para sobrevivir. Ahí radica lo más contemporáneo de su obra. Hendrik Kerstens no mira hacia el siglo XVII con nostalgia, sino con la libertad de quien entiende que la tradición también puede ser un material de trabajo. Porque un clásico no permanece vigente sólo cuando lo conservamos, sino también cuando somos capaces de mirarlo nuevamente y encontrar en él algo que todavía tenga sentido. A veces basta una nueva mirada, un rostro conocido y hasta el más insignificante de los objetos para demostrar que 400 años después todavía queda algo nuevo por decir.

Fotografías de © Hendrik Kerstens